西塔尔(人工智能将是如何理解音乐的)
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2023-12-02
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1. 西塔尔,人工智能将是如何理解音乐的?
人工智能技术发展向好,不过一个客观事实是,让人类社会直接接受非人类创作主体是一件非常困难的事。就音乐领域而言,不论内行外行,似乎或多或少对通过算法创作的音乐产生鄙夷。
一、如今,人工智能的战争终于燃烧到了音乐领域。
在今年5月份的Moogfest音乐科技节上,谷歌的Magenta团队现场展示人工智能的作曲能力,通过对系统输入一些简单的音符后,人工智能便会根据这些音符的排列特点,编写出更为完整丰富的曲子,并弹奏出来。近日在一场以“AI科技与艺术之夜”为主题的活动中,百度人工智能也小试了一把牛刀,它将美国艺术大师罗伯特·劳森伯格《四分之一英里画作》的其中两联分别谱成了20余秒的钢琴曲。不过,你若想以一个音乐爱好者的标准来聆这些人工智能作曲家的作品,那可能会有一些失望。因为上述两个大咖的专业能力实在是相当初级,其可听程度甚至还不如刚刚学会乐器的小学生。相比而言,人工智能领域内的另一位重量级选手在音乐上的造诣就显得格外出众。
在上周召开的第四代微软小冰产品发布会上,这个人工智能萌妹子模仿人类演唱的《隐形的翅膀》技惊四座。尽管在个别歌词的咬字发音上还称不上完美,但是其音准和情感投入足以秒杀一众五音不全的KTV麦霸。这并不是小冰的首次献唱,之前为湖南卫视演唱的《夏日甜心》主题曲已经获得了近50万的观看量。而在日本,小冰也将在今年9月正式推出首支原创单曲。
发布会上,微软放言小冰将正式进入并积极参与虚拟歌手市场的竞争。在这之前,虚拟歌手市场一直由日本引领,其中名气最大的当属初音未来。不过,与初音未来依靠电子音合成实现歌曲演唱所不同,微软小冰的发声主要基于机器学习。自2014年5月发布第一代产品以来,小冰已和多个国家的数千万人进行了超过200亿对话,平均对话长度达到23轮,图像等多感官的对话也已超过2 亿次,有媒体将小冰比作“科技史上最大规模的图灵测试”。在情感计算框架和大数据技术的支撑下,歌手身份的小冰与人类之间的差异变得越来越小。
从应用层面上看,谷歌、百度的人工智能谱曲还只停留在探索阶段,不具备大规模普及的可能。而拥有广泛群众基础和卓越歌唱能力的微软小冰显然具备更多的话语权。尤其是在升级之后,小冰的插卡能力可以和更多应用场景相融合,有歌唱者的地方就可以有小冰的空间,不论是从社会价值还是商业潜能上看,小冰的音乐之路会走的更远。
在现实社会里,培养一个成功的歌手需要很多年,而在人工智能小冰的世界里,或许只需一个晚上,你就能收获一个专属的私人留声机,为你演唱各种风格各种特色的流行风。这么看来,只存在于科幻电影里的人工智能与人类的距离还真是近在咫尺。
二、人工智能时代,音乐该怎么玩?看看亚马逊的智能音响你可以知道很多。
一个基于人工智能的音箱能做什么?聊天,查询天气,当闹铃、控制灯光、语音下单、打 Uber……这些都是人们基于人工智能的字眼对它的想象。但也许,它首先应该做到的一件事情是播放音乐,以智能化的方式。
这一点,也许能从亚马逊昨天推出的 Amazon Music Unlimited 音乐流媒体服务中看到具体的形态。
会玩的亚马逊音乐服务,从名称上来说,与亚马逊公司的另外一项服务 Amazon Kindle Unlimited 有点像,只不过后者涉及的具体产品是 Kindle 电子书。在具体的业务模式上,都是通过包月的价格来获取一整套相应的服务。
不同的是,亚马逊的 Kindle 电子书几乎是一家独大的;而在音乐流媒体市场,亚马逊要面临的对手包括 Spotify,Apple Music 以及 Google Play Music,三者中有两个背后都是有巨头支撑的,相对独立的 Spotify 实力也不可小觑。
既然是音乐服务,亚马逊首先要解决的是曲库的问题。目前,Amazon Music Unlimited 已经拥有数千万首音乐。亚马逊的很简单,就是签约世界三大唱片公司,再加上数百个独立的小型音乐公司。
与上文中提到的三个竞争对手相类似,Amazon Music Unlimited 也在音乐中加入了智能推荐算法,将机器推荐和人工推荐结合起来。
亚马逊为这项服务在各个平台推出了应用,包括 Android、iOS、Sonos、Windows 桌面版以及亚马逊自己的 Fire 平板电脑。而亚马逊也将应用的界面进行了重新设计,无论是字体、导航栏等界面调整,还是智能下载等功能,都是让用户获得更好的聆听体验。不过,除了上述内容,Amazon Music Unlimited 最大的特点在于,它能够与亚马逊的 Echo 智能音箱相结合。二者结合之后,用户就能够直接通过语音来选择音乐;但是,选择方式不仅仅是歌手名字、专辑名称、音乐风格那么简单。
通过 Alexa 智能助手,Echo 还能够对音乐的年代、音乐歌词片段、音乐表达的情绪进行识别。一个典型的例子是,如果用户对 Echo 说播放 “80 年代之后 U2 乐队的音乐”,Echo 就能够按照要求自动响应。而且用的人越多,Echo 就会越智能。另外,Amazon Music Unlimited 还提供了一个有意思的小功能 Side by Side;这个功能可以在特定的音乐旁边显示歌手对这段音乐的相关注释。目前参与此功能的歌手并没有太多,但仍在增长中。
三、人工智能是怎样创造音乐乐曲的
据美国科技媒体《the Verge》报道,谷歌于6月1日发布了第一首人工智能创作出的90秒钢琴音乐作品。这项成果来自谷歌最新发布的研究项目“Magenta”——一项基于开源人工智能平台Tensor Flow,以深度神经网络的机器学习来创作艺术的项目。Magenta项目研究人员道格拉斯·埃克(Douglas Eck)此前在美国北卡罗莱纳州举办的Moogfest科技与艺术音乐节上表示,Magenta团队将会首先尝试研发能够生成音乐的算法,然后再介入视频制作及其它视觉艺术算法的开发。Magenta项目的灵感实际上来自谷歌此前推出据美国科技媒体《the Verge》报道,谷歌于6月1日发布了第一首人工智能创作出的90秒钢琴音乐作品。这项成果来自谷歌最新发布的研究项目“Magenta”——一项基于开源人工智能平台Tensor Flow,以深度神经网络的机器学习来创作艺术的项目。Magenta项目研究人员道格拉斯·埃克(Douglas Eck)此前在美国北卡罗莱纳州举办的Moogfest科技与艺术音乐节上表示,Magenta团队将会首先尝试研发能够生成音乐的算法,然后再介入视频制作及其它视觉艺术算法的开发。
Magenta项目的灵感实际上来自谷歌此前推出的图像识别工具Deep Dream。Deep Dream是在人工神经网络算法的基础上,将人类输入的图像转化为机器可识别的信息,以研究人工智能如何感知物体,并训练其根据要求生成相关物体。目前Deep Dream已经成为了一个广受欢迎的图片工具,今年谷歌还以该工具为基础举办了一个画展。此外,谷歌还成立了“艺术家和机器智能”(Artists and Machine Intelligence)项目,旨在推动艺术家和智能机器合作生产艺术内容。
它的图像识别工具Deep Dream。Deep Dream是在人工神经网络算法的基础上,将人类输入的图像转化为机器可识别的信息,以研究人工智能如何感知物体,并训练其根据要求生成相关物体。目前Deep Dream已经成为了一个广受欢迎的图片工具,今年谷歌还以该工具为基础举办了一个画展。
四,人工智能可本事了,这个 AI 还能鉴赏音乐,是如何实现的呢!
当你误入某个音乐节,现场音乐震耳欲聋,观众情绪热烈尖叫不断,却不知道是哪个流派的乐队在表演时,你大致可以根据“金属甩头,摇滚举手,朋克跺脚,硬核对空气打拳,重摇滚互相碰撞”这些观众反应,分辨出现场是哪个乐队,成功假装自己经常参加音乐节。
但现在,有个AI能够比你更敏锐地分辨出每一首歌所属的流派。近日,剑桥一家机构宣称研究出一项能够通过机器学习识别各种音乐风格的人工智能。研究人员让一位钢琴演奏家在现场分别演奏巴洛克、古典和爵士等不同流派的音乐,AI 不仅能够实时分辨,并且其准确率远高于普通的音乐识别软件。
该机构的负责人表示,这个 AI 能够准确识别音乐流派,主要是通过在大量音频材料中进行深度学习,并找到了一种不会损坏音乐文件,也不会产生偏差的检测方式,因此它的识别能力比普通音乐识别软件所使用的逻辑和方法,更“像人类”。此外,该项 AI 还能运用更加复杂的方法去管理和检索音乐数据。
五、人工智能让音乐更美妙
音乐是反映人类现实生活情感的一种艺术,是比语言更古老的意识形态。日新月异的科技发展给音乐注入了许多新元素,逐渐改变了人们编写、表演、制作乃至欣赏音乐的方式。人工智能在音乐应用方面的积极尝试和突破性进展令人惊叹。
在音乐编写方面,早在1987年就出现了一款“音乐智能实验”软件。这个人工智能音乐作曲系统能从作曲家的作品中识别出不同类型的重现结构,然后以新的排列来复用这些结构,依此产生一份“同样风格下的”新作品。它编写的具有巴赫风格的赞美诗几乎可以乱真。当然,它只会模仿,但不会真正意义上的创作。而具有“深度学习”能力的人工智能音乐软件则可辅助人们作曲。它导入诸多音乐大师的传世之作,培养能即兴创作的“活的作曲家”。它会改变人们原有的灵感创作模式,并能解码人类在音乐上的创造力,在与人的沟通上也很人性化。不过,人工智能要实现真正意义上的作曲,就必须将作曲转化为算法。不要以为音符就那几个,但将这些音符及其“变体”排列组合起来,数量大得惊人。人工智能要充分理解音阶、和声、节奏、风格、结构等音乐创作的基本逻辑和规则,才能构建精确的算法体系。即便能构成一条理想的旋律线,还要在配器选择、各声部特色、效果等方面完美定义,这样才能创造出美妙又富有内涵的音乐。不过,比人工智能作曲本身更难的是,如何将人的审美观告诉人工智能,毕竟音乐这种艺术是现实世界的抽象表现,是高度智慧与人类情感高度关联的产物。音乐家的独特思维、感性的心理活动和专属音乐形象是很难用人工智能模仿实现的。
在音乐表演和制作方面,已经出现了能模仿所有乐器的“神器”。它能根据人们的演奏、设置,随心所欲地模拟任何乐器的声音,如鼓声、吉他、钢琴、西塔尔琴和尤克里里等。它还可以连接到智能手机、平板电脑或普通电脑上,并与常见的音乐软件协同工作。它可以在瞬间从鼓声切换到小提琴,让音乐家学会之前根本没接触过的乐器,并改变作曲家的作曲方式。而虚拟歌手软件是对音乐软件的人格化。其歌声合成器内置了一些由声优提前录好的声音,人们只需输入歌词和旋律,就可以用软件自带的声音合成电子音乐歌 曲。随着大量人声数据的积累和技术的不断完善,虚拟歌手软件“唱”得越来越自然,达到“神形兼备”的境界。同时,它在音域、表现力等方面拥有人类演唱无以比拟的优势。也许,未来它能唱的歌,很少有人能模仿演唱!
在音乐欣赏方面,人工智能更是得心应手。如,一种人工智能算法以量化方式分析了英国摇滚乐队“披头士”的不同专辑及其曲风演变。它将每首歌曲转化为对应的声音谱图,然后将每张谱图转化为近3000个数值的数字。这种方法除了可以帮助人们辨别音乐风格的演变外,还可以推断出不同音乐专辑出现的年代顺序。如今,具有“深度学习”能力的人工智能算法可以借助大数据和云计算等新技术,协助人们搜索、浏览和组织大型音乐数据库,进行音乐曲风的识别和匹配。如,可以帮助音乐网站对人们喜欢的音乐风格偏好进行“自动匹配”,为人们挑选可能喜欢的音乐风格,提供更对味的音乐播放列表。它还能帮助人们更好地理解、欣赏音乐。它也能帮助音乐家出人头地,尤其是让那些独立音乐人及新人及时被听众发现。
2. 如何定义爵士音乐?
爵士乐的起源、含义:
爵士乐成形时间是19世纪末、20世纪初。公认的发祥地是美国南部路易斯安那州的一个亚热带城市―新奥尔良。
在众多流行音乐中,爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种,爵士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的"民间蓝调","拉格泰姆"和"民间蓝调"构成了早期的爵士乐。
从17-18世纪西方殖民主义者,将大批非洲黑人贩卖到美洲,成为那里白人的奴隶之后,他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余,黑奴 们怀念故乡和亲人,常常唱一种哀歌,以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中,被看作是忧郁的色彩,这种悲哀的歌曲,也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为"布鲁斯"。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名,如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。
爵士乐的另一个起源,是来自一种叫"拉格泰姆"的钢琴音乐。"拉格泰姆"是Ragtime这 个词的音译。词意是"参差不齐的拍子"。故又称为"散拍乐"。它也是从非洲民间音乐发 展而成。19世纪末,一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手,创造了一种新风格的钢琴音乐:右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲,一、三拍为强拍,二、四拍为弱拍,而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时,就出现一次强音,而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏, 一、三拍为低音强拍,二、四拍为和弦、弱拍。这样左右手形成交错的节拍,使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣,由于这一创造,乔普林被人们誉为"拉格泰姆之王"。
有人说Jazz这个词,是从非洲土语Jaiza演变而来。这个词原意思是"加快击鼓";另一种说法是:早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了,都叫他Jas,后来一传再传,就变 成了Jazz了;还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。
早期的黑人爵士乐师多不识谱,演奏时只是凭着灵感,对所熟悉的曲调自由地进行变化。 所以带有很强的即兴性质。由于人数不多,三五个乐手经常在一起合作,时间久了,彼此之间也就自然地形成一种默契。
1923年冬天,纽约"皇宫乐队" 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温,说他想举办一次别出心裁的音乐会,其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目,就是把爵士乐和交响乐揉合在一起,格什温是一位音乐革新者,他从1924年元月开始动笔,仅仅花了 一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是"布鲁斯音阶"和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦,故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue),在我国译作《蓝色狂想曲》。这次演出大获成功。从此,爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现,许多作曲家也竟相效仿,创作了许多爵士风格的音乐作品,如美国的一些音乐剧,兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等,都运用了爵士音乐的素材和节奏。
爵士乐音乐的特点:
(1)从大音阶来讲,它的第三级(Mi)音和第七级(Si)音经常是降低一些(平时讲是降半音,实际上不到半音)。有时第五级(Sol)音也降半音。这些降音还常辅以滑音和颤音,因而更加强了歌曲忧郁、悲伤的色彩;由于有以上这些特点,按这种方法形成的音阶,人们称之为"布鲁斯音阶"。
(2)旋律中多用切分节奏和三连音,形成轻重音颠倒;
(3)节奏多为双拍,通常为4/4拍,也有部分是2/4拍 ;
(4)从歌词、曲调结构上讲,布鲁斯多采用对称的、带音韵的两行词。第一句重复一遍。每段曲调12小节,每句4小节,从而形成:‖∶ A ∶‖+B三句的固式曲式结构
(5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、属和弦(Ⅴ)和下属和弦。(Ⅳ),因此,和声听起来很和谐,而且朴素。
其他特点因素:
爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法。
爵士乐的切分节奏复杂多样,特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位,造成一种飘忽不定的游移感。
原来的4/4拍节奏经改变后变成了3/16拍。
爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶( 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 )来形成它的特点,有时还在布鲁斯音阶的基础上增加#4和其他一些变化音,使其变得更加丰富多彩 。
爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多,它以七和弦为基础,并且大量的运用扩展音(如:9音、11音、13音)和替代和弦,有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行,使其呈现出丰富多彩的和声效果。
即兴是爵士乐手(或歌手)必练的演奏(或演唱)技巧之一 。
爵士乐的一些变化分支:
早期爵士乐
早期的爵士乐(1900—1917)曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调;有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调;还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢,但它的独奏旋律线的变音转调较多,起音不一,音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称,而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。
早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器,有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中,乐队的每个成员,不仅仅是独奏者,都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作,只受和弦进行结构的限制,这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出,它就是“爵士乐”。
自由爵士
自由爵士产生于60年代,这种全新的音乐刚一出现,就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。
自由爵士不同于以往爵士乐,在和声、旋律方面没有太多的限制,演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念,节拍、对称性被统统打乱,同时,它也强调音乐本身的强度与张力,加入大量的不谐和音,把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起,采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器,因此,有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。
摇摆乐
二十年代末,美国出现大萧条,爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所,致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson(费莱切·汉德森)的大乐队,但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman(本尼·古德曼)大乐队的成功,直到1946年大乐队时代结束为止,摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐,在演奏过程中不太注重合奏,反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础,与以前的演奏相比,这更具有冒险性。
这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴,所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。
摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统,同时也开辟了个人表演的新领域,许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。
Cool爵士
1950年,Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》,标志着Cool爵士的产
生。
Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的,音质柔和干爽。独奏中,带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥,有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势,但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑,音色更加和谐,与Bop相比,Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感,而没有Bop那么强的内在张力。
Cool爵士鼓手也更加安静,不干扰其他音色,总而言之,Cool爵士风格是节制的,“点到为止”,这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。
Fusion
二十世纪七十年代,Fusion音乐渐渐发展起来,它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣,Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴,我们现在所熟悉的Fusion音乐,其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。
Regtime
Regtime(拉格泰姆)爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律,有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓,随即强调音节,这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行,虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉,所以并不能称之为真正的爵士乐。
Bebop
“Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节(或无意义的狂喊乱叫)。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束,而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组,还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱,这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次(如果是12小节的布鲁斯则演奏两次),接下来是在节奏组(一般是钢琴、低音提琴和鼓)伴奏下的几段即兴独奏叠句,再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型(包括变化音型),以保持乐曲的结构。
3. 92狂暴战温西尔羁绊选哪个?
选娜德佳和癫狂公爵西塔尔!
娜德佳迷雾之刃自称是最伟大的决斗者,她从不安于现状,渴望新的冒险。麻烦的背后总有温西尔兽王的身影。她随时都能用自己的能力来保卫雷文德斯,这是你的命令,也是她的乐趣。
癫狂公爵西塔尔知道,就算是疯癫错乱,也必须举止得体,传统的贵族圈子驱逐了他,所以他组建了自己的流放者之廷。无论是用最爱的茶壶编织魔法,还是驱使泥仆为自己撑伞,西塔尔以自己独一无二的古怪方式驾驭着雷文德斯的惊人力量。是温西尔兽王灵魂羁绊的最好人选之人。
4. 如何激发初中生在语文课堂上的积极主动性?
如何在语文教学中培养学生的积极性
学生课堂注意力不够集中无法掌握课堂知识,是老师们比较头疼的一个问题。
注意是心理活动的一定对象的指向和集中,它是大家都熟悉的一种心理现象,平时人们常说的“聚精会神”、“精力集中”、等词语都描述的是注意的状态。注意是认识的警卫,智力活动的组织者,是人类一切活动的必要前提和向导。根据注意的产生和保持有无目的性及需要意志努力程度的不同,可以把注意分为无意注意、有意注意、有意注意和有意后注意。小学生注意的特点是无意注意占优势,注意力不稳定、不持久,极容易被一些新鲜刺激所吸引。这时期小学生的有意注意也在发展,但不够完善,需要培养。
英国教学家约翰.洛克说:“教师的最大的技巧在于集中与保持学生的注意。”那语文教师在教学中如何抓住小学生的心里特点,培养小学生课堂注意力,来使我们很好的完成学习任务呢?
一、 抓住一堂课最佳时间,把握学生注意力
人处在注意状态时,他的心理活动总是指向于一定对象,并使认识在一定时间内始终集中在该对象上,而抑制与此无关的活动,这就是注意的指向性的集中性的特点。心理学研究表明:人的心理指向和集中于某一特定对象时,大脑皮层相应区域就产生一个优势兴奋中心。如果注意力集中,则大脑中只有一个兴奋中心,并且这个兴奋中心有稳定的节奏。
在对儿童的研究中表明:7-10岁儿童连续注意时间约20分钟,10-12岁儿童连续注意时间约25分钟。因此,教师在教学中应紧扣小学生连续注意的最佳时间,讲解重点和难点。
二、 变换内容和方式,吸引学生的注意力
疲劳是大脑皮层的一种保护性抑制。当人长时间以一种方式从事一项工作时,如果长期得不到休息,疲劳就会积累,使大脑产生保护性抑制,从而影响注意力的集中。为了不使大脑皮层过于疲劳,有效的方式就是变换活动的内容和方式,避免较长时间从事一项活动。在课堂教学中,采用这种方法有利于学生听课注意力的提高。小学语文教材几乎每课都配有在线主要内容的插图。我在教学中不让学生图文对照地读,而是让学生由图复述课文,或由文字想象图画,或让学生依照课文内容作画。
在课堂教学中电教手段的应用是协调左右脑功能,吸引学生注意力的有效方法之一。我在教学“升国旗”这一课时,我运用的课件是真实的升旗过程,国歌奏起,孩子们犹如亲临其境,那股严肃劲儿真是可爱极了。我在课堂中经常让学生边听录音边看录像,同时伴以讲解,让学生很快进入文章的角色,在于快的乐声和美丽的画面中,聚精会神地听、看、理解文章的内容。
三、 合理组织教学,唤起学生的注意力
美国心理学家布鲁纳曾说:“学习的最后刺激,是对所学教材的兴趣,只有激发了学习兴趣,才能使学生具有强烈的求知欲,才能有高度的注意力。”从听课注意力的培养角度看,上课依始,教师就应抓住学生的心,把学生的注意力集中到教学内容上。课堂教学直观教具的应用是激发学生兴趣,从而增强学生无意注意的“添加剂”。课堂即将结束的几分钟是教师对一节课作总结的时候,也是学生注意力最易分散之时,教师不应草草收尾,而应该给学生留下想象的空间,设置“欲知余情,请听下回分解”的悬念,为下堂课学生能够集中注意力听课奠定基础。
四、 知行统一,凝结注意力
有意注意是指有预定的目的、需要一定的意志努力的注意,他是人们完成学习、工作的必要条件。在课堂教学中有意识地培养学生有意注意是十分必要的。值得注意的是,当小学生的抽象思维还不发达的时候,孤立地进行智利活动,往往不利于保持有意注意。只有做到知行统一,把认识和实践活动统一起来,才能有效解决问题。
如在教授童话、寓言等有故事情节的课文时,教师可以让学生分角色表演情节。小学语文教学要让学生有充分的读书实践是勿庸置疑的。边读,边想,边质疑;反边来再一边读、一边想,一边画,解疑。这样就形成了一个“读书——质疑——解疑”的实践过程,既调动了学生的动口、动脑、动手的能力,也在潜移默化中培养了学生的有意注意。
总之,在语文教学中,加强对小学生注意力培养是重要的和必要的,也是有方法可循的。通过训练,不仅能提高学生课堂注意力,也能提高语文教学质量。
5. 披头士第一张专辑?
Beatles(甲壳虫乐队),英国摇滚乐队,由约翰·列侬(John Lennon)、林戈·斯塔尔(Ringo Starr)、保罗·麦卡特尼(Paul McCartney)和乔治·哈里森(George Harrison)四名成员组成。1960年,乐队于英格兰利物浦市成立,其音乐风格源自20世纪50年代的摇滚乐,并开拓了迷幻摇滚、流行摇滚等曲风。
1962年发行首支单曲《Love Me Do》。1963年发行首张专辑《Please Please Me》,创下连续30周位居英国流行音乐专辑榜榜首的纪录。1964年4月4日,创下包揽公告牌Hot 100单曲榜前5名的纪录;同年凭借歌曲《A Hard Day's Night》获得第7届格莱美最佳乐队奖 。1965年推出的歌曲《Yesterday》成为乐队具有代表性的作品之一。1967年发行的专辑《Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band》获得第10届格莱美年度最佳专辑奖。1968年发行的单曲《Hey Jude》连续9周位居美国公告牌榜首。1970年乐队解散。1980年12月8日,约翰·列侬去世。2001年11月29日,乔治·哈里森去世。
1988年进入摇滚名人堂。1996年凭借单曲《Free As A Bird》获得第39届格莱美最佳流行乐队奖。2004年被《滚石》杂志选为“历史上最伟大的50位流行音乐家第一位”。2008年他们在美国公告牌“最杰出音乐人Hot 100”榜单中名列榜首,同年以20首冠军单曲在公告牌“最多冠军单曲”榜单中排名第一。2012年,英国官方排行榜公司公布了英国最畅销乐队排行榜,The Beatles名列榜首。
6. 世界被禁掉的10大乐器?
十大被禁的乐器
1. 水琴
2.乌德琴
3.维纳琴
4.西塔尔琴
5.筚篥
6.特雷门琴
7.萨摩琵琶
8.艾捷克
9.胡笳
10.齐特尔琴
7. 音域共鸣洛克王国活动怎么演奏?
音域共鸣洛克王国是一种音乐活动,演奏时需按照以下步骤进行:
首先,选择乐器,如吉他、鼓或键盘,并掌握其基本演奏技巧。
其次,了解洛克王国的音乐风格,如摇滚、流行或金属,以便在演奏中传达相应的情感和节奏。然后,根据乐曲的音域要求,熟悉和练习乐曲的音符和和弦。在演奏时,注重音域共鸣,即通过掌握技巧和良好的发声技术,在乐器发出的声音中达到平衡和谐的共鸣效果。
最后,与其他乐手合作,通过相互配合和演奏技巧的运用,展示出音域共鸣洛克王国的精彩表演。
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1. 西塔尔,人工智能将是如何理解音乐的?
人工智能技术发展向好,不过一个客观事实是,让人类社会直接接受非人类创作主体是一件非常困难的事。就音乐领域而言,不论内行外行,似乎或多或少对通过算法创作的音乐产生鄙夷。
一、如今,人工智能的战争终于燃烧到了音乐领域。
在今年5月份的Moogfest音乐科技节上,谷歌的Magenta团队现场展示人工智能的作曲能力,通过对系统输入一些简单的音符后,人工智能便会根据这些音符的排列特点,编写出更为完整丰富的曲子,并弹奏出来。近日在一场以“AI科技与艺术之夜”为主题的活动中,百度人工智能也小试了一把牛刀,它将美国艺术大师罗伯特·劳森伯格《四分之一英里画作》的其中两联分别谱成了20余秒的钢琴曲。不过,你若想以一个音乐爱好者的标准来聆这些人工智能作曲家的作品,那可能会有一些失望。因为上述两个大咖的专业能力实在是相当初级,其可听程度甚至还不如刚刚学会乐器的小学生。相比而言,人工智能领域内的另一位重量级选手在音乐上的造诣就显得格外出众。
在上周召开的第四代微软小冰产品发布会上,这个人工智能萌妹子模仿人类演唱的《隐形的翅膀》技惊四座。尽管在个别歌词的咬字发音上还称不上完美,但是其音准和情感投入足以秒杀一众五音不全的KTV麦霸。这并不是小冰的首次献唱,之前为湖南卫视演唱的《夏日甜心》主题曲已经获得了近50万的观看量。而在日本,小冰也将在今年9月正式推出首支原创单曲。
发布会上,微软放言小冰将正式进入并积极参与虚拟歌手市场的竞争。在这之前,虚拟歌手市场一直由日本引领,其中名气最大的当属初音未来。不过,与初音未来依靠电子音合成实现歌曲演唱所不同,微软小冰的发声主要基于机器学习。自2014年5月发布第一代产品以来,小冰已和多个国家的数千万人进行了超过200亿对话,平均对话长度达到23轮,图像等多感官的对话也已超过2 亿次,有媒体将小冰比作“科技史上最大规模的图灵测试”。在情感计算框架和大数据技术的支撑下,歌手身份的小冰与人类之间的差异变得越来越小。
从应用层面上看,谷歌、百度的人工智能谱曲还只停留在探索阶段,不具备大规模普及的可能。而拥有广泛群众基础和卓越歌唱能力的微软小冰显然具备更多的话语权。尤其是在升级之后,小冰的插卡能力可以和更多应用场景相融合,有歌唱者的地方就可以有小冰的空间,不论是从社会价值还是商业潜能上看,小冰的音乐之路会走的更远。
在现实社会里,培养一个成功的歌手需要很多年,而在人工智能小冰的世界里,或许只需一个晚上,你就能收获一个专属的私人留声机,为你演唱各种风格各种特色的流行风。这么看来,只存在于科幻电影里的人工智能与人类的距离还真是近在咫尺。
二、人工智能时代,音乐该怎么玩?看看亚马逊的智能音响你可以知道很多。
一个基于人工智能的音箱能做什么?聊天,查询天气,当闹铃、控制灯光、语音下单、打 Uber……这些都是人们基于人工智能的字眼对它的想象。但也许,它首先应该做到的一件事情是播放音乐,以智能化的方式。
这一点,也许能从亚马逊昨天推出的 Amazon Music Unlimited 音乐流媒体服务中看到具体的形态。
会玩的亚马逊音乐服务,从名称上来说,与亚马逊公司的另外一项服务 Amazon Kindle Unlimited 有点像,只不过后者涉及的具体产品是 Kindle 电子书。在具体的业务模式上,都是通过包月的价格来获取一整套相应的服务。
不同的是,亚马逊的 Kindle 电子书几乎是一家独大的;而在音乐流媒体市场,亚马逊要面临的对手包括 Spotify,Apple Music 以及 Google Play Music,三者中有两个背后都是有巨头支撑的,相对独立的 Spotify 实力也不可小觑。
既然是音乐服务,亚马逊首先要解决的是曲库的问题。目前,Amazon Music Unlimited 已经拥有数千万首音乐。亚马逊的很简单,就是签约世界三大唱片公司,再加上数百个独立的小型音乐公司。
与上文中提到的三个竞争对手相类似,Amazon Music Unlimited 也在音乐中加入了智能推荐算法,将机器推荐和人工推荐结合起来。
亚马逊为这项服务在各个平台推出了应用,包括 Android、iOS、Sonos、Windows 桌面版以及亚马逊自己的 Fire 平板电脑。而亚马逊也将应用的界面进行了重新设计,无论是字体、导航栏等界面调整,还是智能下载等功能,都是让用户获得更好的聆听体验。不过,除了上述内容,Amazon Music Unlimited 最大的特点在于,它能够与亚马逊的 Echo 智能音箱相结合。二者结合之后,用户就能够直接通过语音来选择音乐;但是,选择方式不仅仅是歌手名字、专辑名称、音乐风格那么简单。
通过 Alexa 智能助手,Echo 还能够对音乐的年代、音乐歌词片段、音乐表达的情绪进行识别。一个典型的例子是,如果用户对 Echo 说播放 “80 年代之后 U2 乐队的音乐”,Echo 就能够按照要求自动响应。而且用的人越多,Echo 就会越智能。另外,Amazon Music Unlimited 还提供了一个有意思的小功能 Side by Side;这个功能可以在特定的音乐旁边显示歌手对这段音乐的相关注释。目前参与此功能的歌手并没有太多,但仍在增长中。
三、人工智能是怎样创造音乐乐曲的
据美国科技媒体《the Verge》报道,谷歌于6月1日发布了第一首人工智能创作出的90秒钢琴音乐作品。这项成果来自谷歌最新发布的研究项目“Magenta”——一项基于开源人工智能平台Tensor Flow,以深度神经网络的机器学习来创作艺术的项目。Magenta项目研究人员道格拉斯·埃克(Douglas Eck)此前在美国北卡罗莱纳州举办的Moogfest科技与艺术音乐节上表示,Magenta团队将会首先尝试研发能够生成音乐的算法,然后再介入视频制作及其它视觉艺术算法的开发。Magenta项目的灵感实际上来自谷歌此前推出据美国科技媒体《the Verge》报道,谷歌于6月1日发布了第一首人工智能创作出的90秒钢琴音乐作品。这项成果来自谷歌最新发布的研究项目“Magenta”——一项基于开源人工智能平台Tensor Flow,以深度神经网络的机器学习来创作艺术的项目。Magenta项目研究人员道格拉斯·埃克(Douglas Eck)此前在美国北卡罗莱纳州举办的Moogfest科技与艺术音乐节上表示,Magenta团队将会首先尝试研发能够生成音乐的算法,然后再介入视频制作及其它视觉艺术算法的开发。
Magenta项目的灵感实际上来自谷歌此前推出的图像识别工具Deep Dream。Deep Dream是在人工神经网络算法的基础上,将人类输入的图像转化为机器可识别的信息,以研究人工智能如何感知物体,并训练其根据要求生成相关物体。目前Deep Dream已经成为了一个广受欢迎的图片工具,今年谷歌还以该工具为基础举办了一个画展。此外,谷歌还成立了“艺术家和机器智能”(Artists and Machine Intelligence)项目,旨在推动艺术家和智能机器合作生产艺术内容。
它的图像识别工具Deep Dream。Deep Dream是在人工神经网络算法的基础上,将人类输入的图像转化为机器可识别的信息,以研究人工智能如何感知物体,并训练其根据要求生成相关物体。目前Deep Dream已经成为了一个广受欢迎的图片工具,今年谷歌还以该工具为基础举办了一个画展。
四,人工智能可本事了,这个 AI 还能鉴赏音乐,是如何实现的呢!
当你误入某个音乐节,现场音乐震耳欲聋,观众情绪热烈尖叫不断,却不知道是哪个流派的乐队在表演时,你大致可以根据“金属甩头,摇滚举手,朋克跺脚,硬核对空气打拳,重摇滚互相碰撞”这些观众反应,分辨出现场是哪个乐队,成功假装自己经常参加音乐节。
但现在,有个AI能够比你更敏锐地分辨出每一首歌所属的流派。近日,剑桥一家机构宣称研究出一项能够通过机器学习识别各种音乐风格的人工智能。研究人员让一位钢琴演奏家在现场分别演奏巴洛克、古典和爵士等不同流派的音乐,AI 不仅能够实时分辨,并且其准确率远高于普通的音乐识别软件。
该机构的负责人表示,这个 AI 能够准确识别音乐流派,主要是通过在大量音频材料中进行深度学习,并找到了一种不会损坏音乐文件,也不会产生偏差的检测方式,因此它的识别能力比普通音乐识别软件所使用的逻辑和方法,更“像人类”。此外,该项 AI 还能运用更加复杂的方法去管理和检索音乐数据。
五、人工智能让音乐更美妙
音乐是反映人类现实生活情感的一种艺术,是比语言更古老的意识形态。日新月异的科技发展给音乐注入了许多新元素,逐渐改变了人们编写、表演、制作乃至欣赏音乐的方式。人工智能在音乐应用方面的积极尝试和突破性进展令人惊叹。
在音乐编写方面,早在1987年就出现了一款“音乐智能实验”软件。这个人工智能音乐作曲系统能从作曲家的作品中识别出不同类型的重现结构,然后以新的排列来复用这些结构,依此产生一份“同样风格下的”新作品。它编写的具有巴赫风格的赞美诗几乎可以乱真。当然,它只会模仿,但不会真正意义上的创作。而具有“深度学习”能力的人工智能音乐软件则可辅助人们作曲。它导入诸多音乐大师的传世之作,培养能即兴创作的“活的作曲家”。它会改变人们原有的灵感创作模式,并能解码人类在音乐上的创造力,在与人的沟通上也很人性化。不过,人工智能要实现真正意义上的作曲,就必须将作曲转化为算法。不要以为音符就那几个,但将这些音符及其“变体”排列组合起来,数量大得惊人。人工智能要充分理解音阶、和声、节奏、风格、结构等音乐创作的基本逻辑和规则,才能构建精确的算法体系。即便能构成一条理想的旋律线,还要在配器选择、各声部特色、效果等方面完美定义,这样才能创造出美妙又富有内涵的音乐。不过,比人工智能作曲本身更难的是,如何将人的审美观告诉人工智能,毕竟音乐这种艺术是现实世界的抽象表现,是高度智慧与人类情感高度关联的产物。音乐家的独特思维、感性的心理活动和专属音乐形象是很难用人工智能模仿实现的。
在音乐表演和制作方面,已经出现了能模仿所有乐器的“神器”。它能根据人们的演奏、设置,随心所欲地模拟任何乐器的声音,如鼓声、吉他、钢琴、西塔尔琴和尤克里里等。它还可以连接到智能手机、平板电脑或普通电脑上,并与常见的音乐软件协同工作。它可以在瞬间从鼓声切换到小提琴,让音乐家学会之前根本没接触过的乐器,并改变作曲家的作曲方式。而虚拟歌手软件是对音乐软件的人格化。其歌声合成器内置了一些由声优提前录好的声音,人们只需输入歌词和旋律,就可以用软件自带的声音合成电子音乐歌 曲。随着大量人声数据的积累和技术的不断完善,虚拟歌手软件“唱”得越来越自然,达到“神形兼备”的境界。同时,它在音域、表现力等方面拥有人类演唱无以比拟的优势。也许,未来它能唱的歌,很少有人能模仿演唱!
在音乐欣赏方面,人工智能更是得心应手。如,一种人工智能算法以量化方式分析了英国摇滚乐队“披头士”的不同专辑及其曲风演变。它将每首歌曲转化为对应的声音谱图,然后将每张谱图转化为近3000个数值的数字。这种方法除了可以帮助人们辨别音乐风格的演变外,还可以推断出不同音乐专辑出现的年代顺序。如今,具有“深度学习”能力的人工智能算法可以借助大数据和云计算等新技术,协助人们搜索、浏览和组织大型音乐数据库,进行音乐曲风的识别和匹配。如,可以帮助音乐网站对人们喜欢的音乐风格偏好进行“自动匹配”,为人们挑选可能喜欢的音乐风格,提供更对味的音乐播放列表。它还能帮助人们更好地理解、欣赏音乐。它也能帮助音乐家出人头地,尤其是让那些独立音乐人及新人及时被听众发现。
2. 如何定义爵士音乐?
爵士乐的起源、含义:
爵士乐成形时间是19世纪末、20世纪初。公认的发祥地是美国南部路易斯安那州的一个亚热带城市―新奥尔良。
在众多流行音乐中,爵士乐是出现最早并且是在世界上影响较广的一个乐种,爵士乐实际就是美国的民间音乐。欧洲教堂音乐、美国黑人小提琴和班卓传统音乐融合非洲吟唱及美国黑人劳动号子形成了最初的"民间蓝调","拉格泰姆"和"民间蓝调"构成了早期的爵士乐。
从17-18世纪西方殖民主义者,将大批非洲黑人贩卖到美洲,成为那里白人的奴隶之后,他们被强迫劳动、受尽折磨。在田间、在劳动之余,黑奴 们怀念故乡和亲人,常常唱一种哀歌,以表达他们痛苦的心声。这种音乐也渗透在一些宗教 歌曲中。由于蓝色在美国人民中,被看作是忧郁的色彩,这种悲哀的歌曲,也就统称之为Blues(蓝色)。中国音译之为"布鲁斯"。我们常常从美国音乐作品中发现带有Blues的曲名,如《蓝色狂想曲》、《蓝色的探戈》、《蓝色的爱情》等。
爵士乐的另一个起源,是来自一种叫"拉格泰姆"的钢琴音乐。"拉格泰姆"是Ragtime这 个词的音译。词意是"参差不齐的拍子"。故又称为"散拍乐"。它也是从非洲民间音乐发 展而成。19世纪末,一个名叫司科特·乔普林(Scott Joplin,1869-1917)的黑人钢琴手,创造了一种新风格的钢琴音乐:右手高音声部演奏切分音节奏很特别的主旋律或琶音。一般 4/4拍乐曲,一、三拍为强拍,二、四拍为弱拍,而他在高音声部每一拍半、 即三个八分音符时,就出现一次强音,而左手则是规律地演奏由四分音符轻重音组成的节奏, 一、三拍为低音强拍,二、四拍为和弦、弱拍。这样左右手形成交错的节拍,使音乐带有 幽默、欢乐、活泼的情趣,由于这一创造,乔普林被人们誉为"拉格泰姆之王"。
有人说Jazz这个词,是从非洲土语Jaiza演变而来。这个词原意思是"加快击鼓";另一种说法是:早年新奥尔良有位乐手名叫Jasper,大家叫惯了,都叫他Jas,后来一传再传,就变 成了Jazz了;还有人说Jazz这个词是由Chaz这个词演变而来的。
早期的黑人爵士乐师多不识谱,演奏时只是凭着灵感,对所熟悉的曲调自由地进行变化。 所以带有很强的即兴性质。由于人数不多,三五个乐手经常在一起合作,时间久了,彼此之间也就自然地形成一种默契。
1923年冬天,纽约"皇宫乐队" 领班保罗·怀特曼找到作曲家格什温,说他想举办一次别出心裁的音乐会,其中有一个能让 听众大吃一惊的压轴节目,就是把爵士乐和交响乐揉合在一起,格什温是一位音乐革新者,他从1924年元月开始动笔,仅仅花了 一个星期的时间就完成了。由于里面主要用的是"布鲁斯音阶"和小三度、纯五度、小六度 构成的七和弦,故将所作曲子取名为《布鲁斯狂想曲》(Rhapsody in Blue),在我国译作《蓝色狂想曲》。这次演出大获成功。从此,爵士乐受到严肃音乐家及知识阶层的重现,许多作曲家也竟相效仿,创作了许多爵士风格的音乐作品,如美国的一些音乐剧,兴德米特的《舞蹈组曲》、斯特拉文斯基的《黑色协奏曲》等,都运用了爵士音乐的素材和节奏。
爵士乐音乐的特点:
(1)从大音阶来讲,它的第三级(Mi)音和第七级(Si)音经常是降低一些(平时讲是降半音,实际上不到半音)。有时第五级(Sol)音也降半音。这些降音还常辅以滑音和颤音,因而更加强了歌曲忧郁、悲伤的色彩;由于有以上这些特点,按这种方法形成的音阶,人们称之为"布鲁斯音阶"。
(2)旋律中多用切分节奏和三连音,形成轻重音颠倒;
(3)节奏多为双拍,通常为4/4拍,也有部分是2/4拍 ;
(4)从歌词、曲调结构上讲,布鲁斯多采用对称的、带音韵的两行词。第一句重复一遍。每段曲调12小节,每句4小节,从而形成:‖∶ A ∶‖+B三句的固式曲式结构
(5)和弦常用主和弦(Ⅰ)、属和弦(Ⅴ)和下属和弦。(Ⅳ),因此,和声听起来很和谐,而且朴素。
其他特点因素:
爵士乐的演唱利用无意义的“衬词”在即兴的规则下形成了风格独特爵士唱法。
爵士乐的切分节奏复杂多样,特别是跨小节的连续切分经常将原有的节奏整小节移位,造成一种飘忽不定的游移感。
原来的4/4拍节奏经改变后变成了3/16拍。
爵士乐的旋律经常采用布鲁斯音阶( 1 2 b3 3 4 5 6 b7 7 )来形成它的特点,有时还在布鲁斯音阶的基础上增加#4和其他一些变化音,使其变得更加丰富多彩 。
爵士乐的和声比流行音乐和声要复杂得多,它以七和弦为基础,并且大量的运用扩展音(如:9音、11音、13音)和替代和弦,有时还经常出现连续的下行纯五度副属和弦进行,使其呈现出丰富多彩的和声效果。
即兴是爵士乐手(或歌手)必练的演奏(或演唱)技巧之一 。
爵士乐的一些变化分支:
早期爵士乐
早期的爵士乐(1900—1917)曲目有32小节、4乐句的AABA流行歌曲式的曲调;有4乐节、两个调的拉格泰姆曲调;还有12小结的器乐布鲁斯曲调。拉格泰姆乐曲的和声节奏倾向于比另两种更快的速度。布鲁斯乐曲的和声节奏最慢,但它的独奏旋律线的变音转调较多,起音不一,音高变化也不少。早期歌曲曲目中也有很多以“布鲁斯”作名称,而实际上是流行歌曲或别的什么同源形式。
早期爵士乐队的设置平均为8位乐师。在新奥尔良风格爵士乐队的固定形式上增加了两件乐器。有时添一支短号和一件节奏乐器,有时加一把小提琴为领奏。在演奏过程中,乐队的每个成员,不仅仅是独奏者,都要做即兴演奏。彼此之间自发的互相谦让与合作,只受和弦进行结构的限制,这种新的声音在20世纪初期任何听众以下就能辨认的出,它就是“爵士乐”。
自由爵士
自由爵士产生于60年代,这种全新的音乐刚一出现,就深受广大爵士音乐家和爵士乐迷的喜爱。
自由爵士不同于以往爵士乐,在和声、旋律方面没有太多的限制,演奏者在演奏过程中可以自由、大胆、随心所欲的发挥。自由爵士具有全新的节奏概念,节拍、对称性被统统打乱,同时,它也强调音乐本身的强度与张力,加入大量的不谐和音,把非洲、印度、日本、及阿拉伯等不同的音乐融合到了一起,采用了印度的西塔尔琴、塔布拉双鼓、扩音拇指钢琴、警笛和大量的电子设备及打击乐器,因此,有些自由爵士乐队看上去就象一支非爵士的先锋派乐队。
摇摆乐
二十年代末,美国出现大萧条,爵士乐也随之流行于一些秘密酒店、酒吧、妓院等场所,致使出现了一些更适合跳舞的爵士乐队——摇摆乐大乐队。最早出现的摇摆乐队是Fletcher Henderson(费莱切·汉德森)的大乐队,但使摇摆乐真正确立乐坛的要算是1935年Benny Goodman(本尼·古德曼)大乐队的成功,直到1946年大乐队时代结束为止,摇摆乐一直是流行乐坛上一支重要的力量。摇摆乐不同于早期的爵士乐,在演奏过程中不太注重合奏,反而更加强调独奏。个人的即兴主要以旋律为基础,与以前的演奏相比,这更具有冒险性。
这时期许多爵士艺术家经常与一些欧洲经典乐艺术家一起交流、探讨、相互借鉴,所以在摇摆乐中你也可以听到贝多芬、勃拉姆斯的回响。
摇摆乐继承了早期爵士乐的一些传统,同时也开辟了个人表演的新领域,许多大乐队的乐手后来都成为爵士巨星。
Cool爵士
1950年,Miles Davis九人小组推出的专辑《The Birth of The Cool》,标志着Cool爵士的产
生。
Cool爵士选用的音调是轻柔的、淡雅的,音质柔和干爽。独奏中,带给你一种柔和舒缓、克制的感觉。其重奏部分微妙深奥,有时让你联想起欧州经典室内乐。Cool爵士虽然也揉进了Bop的音调、旋律与和声的优势,但是比Bop的即兴演奏更舒缓平滑,音色更加和谐,与Bop相比,Cool爵士乐经常突出体现一种松弛感,而没有Bop那么强的内在张力。
Cool爵士鼓手也更加安静,不干扰其他音色,总而言之,Cool爵士风格是节制的,“点到为止”,这正是为什么其乐迷称之为“Cool”的原因。
Fusion
二十世纪七十年代,Fusion音乐渐渐发展起来,它的最初定义实际上是一种融合了爵士乐即兴和摇滚乐节奏的音乐。然而随着流行音乐、节奏布鲁斯以及各种音乐形式在世界乐坛逐渐繁荣,Fusion音乐又将这些音乐风格加以借鉴,我们现在所熟悉的Fusion音乐,其实已经成为一种冠有爵士乐名称的混合型音乐。
Regtime
Regtime(拉格泰姆)爵士乐融合了欧洲古典音乐和欧洲军乐的特点而产生的。他打乱了古典音乐中严格的节拍规律,有演奏者掌握节奏的迟缓。乐曲的进行通常是起奏延缓,随即强调音节,这种风格在当时的钢琴演奏中极为常见。Regtime爵士乐在二十世纪出的十五年中非常盛行,虽然这种风格对爵士乐的形式具有非常重大的影响但是因为 它缺乏Blues的感觉和没有即兴感觉,所以并不能称之为真正的爵士乐。
Bebop
“Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节(或无意义的狂喊乱叫)。比波普的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束,而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。这个词初次出现在印刷品上是作为吉列斯匹6人乐队于1945年在纽约录制的唱片曲名–《咸花生Bebop》。
Bebop发展于摇摆时代次中音萨克斯手Lester Young和Don Byas钢琴手Art Tatum和Nat Cole, 小号手Roy Eldgridge, 巴锡伯爵的节奏乐器组,还有Charlie parker, Thelonious Monk, Dizzy Gillespie, miles Davis和Bud Powell。
Bebop音乐通常由3至6人组成的小型爵士乐队演奏。他们不用乐谱,这一点正是他们用来对抗摇摆乐使用改编乐谱的准则。演奏的程序是先把旋律完整地演奏一次(如果是12小节的布鲁斯则演奏两次),接下来是在节奏组(一般是钢琴、低音提琴和鼓)伴奏下的几段即兴独奏叠句,再重复第一叠句的旋律结束全曲。节奏组自始至终重复着全曲的和声音型(包括变化音型),以保持乐曲的结构。
3. 92狂暴战温西尔羁绊选哪个?
选娜德佳和癫狂公爵西塔尔!
娜德佳迷雾之刃自称是最伟大的决斗者,她从不安于现状,渴望新的冒险。麻烦的背后总有温西尔兽王的身影。她随时都能用自己的能力来保卫雷文德斯,这是你的命令,也是她的乐趣。
癫狂公爵西塔尔知道,就算是疯癫错乱,也必须举止得体,传统的贵族圈子驱逐了他,所以他组建了自己的流放者之廷。无论是用最爱的茶壶编织魔法,还是驱使泥仆为自己撑伞,西塔尔以自己独一无二的古怪方式驾驭着雷文德斯的惊人力量。是温西尔兽王灵魂羁绊的最好人选之人。
4. 如何激发初中生在语文课堂上的积极主动性?
如何在语文教学中培养学生的积极性
学生课堂注意力不够集中无法掌握课堂知识,是老师们比较头疼的一个问题。
注意是心理活动的一定对象的指向和集中,它是大家都熟悉的一种心理现象,平时人们常说的“聚精会神”、“精力集中”、等词语都描述的是注意的状态。注意是认识的警卫,智力活动的组织者,是人类一切活动的必要前提和向导。根据注意的产生和保持有无目的性及需要意志努力程度的不同,可以把注意分为无意注意、有意注意、有意注意和有意后注意。小学生注意的特点是无意注意占优势,注意力不稳定、不持久,极容易被一些新鲜刺激所吸引。这时期小学生的有意注意也在发展,但不够完善,需要培养。
英国教学家约翰.洛克说:“教师的最大的技巧在于集中与保持学生的注意。”那语文教师在教学中如何抓住小学生的心里特点,培养小学生课堂注意力,来使我们很好的完成学习任务呢?
一、 抓住一堂课最佳时间,把握学生注意力
人处在注意状态时,他的心理活动总是指向于一定对象,并使认识在一定时间内始终集中在该对象上,而抑制与此无关的活动,这就是注意的指向性的集中性的特点。心理学研究表明:人的心理指向和集中于某一特定对象时,大脑皮层相应区域就产生一个优势兴奋中心。如果注意力集中,则大脑中只有一个兴奋中心,并且这个兴奋中心有稳定的节奏。
在对儿童的研究中表明:7-10岁儿童连续注意时间约20分钟,10-12岁儿童连续注意时间约25分钟。因此,教师在教学中应紧扣小学生连续注意的最佳时间,讲解重点和难点。
二、 变换内容和方式,吸引学生的注意力
疲劳是大脑皮层的一种保护性抑制。当人长时间以一种方式从事一项工作时,如果长期得不到休息,疲劳就会积累,使大脑产生保护性抑制,从而影响注意力的集中。为了不使大脑皮层过于疲劳,有效的方式就是变换活动的内容和方式,避免较长时间从事一项活动。在课堂教学中,采用这种方法有利于学生听课注意力的提高。小学语文教材几乎每课都配有在线主要内容的插图。我在教学中不让学生图文对照地读,而是让学生由图复述课文,或由文字想象图画,或让学生依照课文内容作画。
在课堂教学中电教手段的应用是协调左右脑功能,吸引学生注意力的有效方法之一。我在教学“升国旗”这一课时,我运用的课件是真实的升旗过程,国歌奏起,孩子们犹如亲临其境,那股严肃劲儿真是可爱极了。我在课堂中经常让学生边听录音边看录像,同时伴以讲解,让学生很快进入文章的角色,在于快的乐声和美丽的画面中,聚精会神地听、看、理解文章的内容。
三、 合理组织教学,唤起学生的注意力
美国心理学家布鲁纳曾说:“学习的最后刺激,是对所学教材的兴趣,只有激发了学习兴趣,才能使学生具有强烈的求知欲,才能有高度的注意力。”从听课注意力的培养角度看,上课依始,教师就应抓住学生的心,把学生的注意力集中到教学内容上。课堂教学直观教具的应用是激发学生兴趣,从而增强学生无意注意的“添加剂”。课堂即将结束的几分钟是教师对一节课作总结的时候,也是学生注意力最易分散之时,教师不应草草收尾,而应该给学生留下想象的空间,设置“欲知余情,请听下回分解”的悬念,为下堂课学生能够集中注意力听课奠定基础。
四、 知行统一,凝结注意力
有意注意是指有预定的目的、需要一定的意志努力的注意,他是人们完成学习、工作的必要条件。在课堂教学中有意识地培养学生有意注意是十分必要的。值得注意的是,当小学生的抽象思维还不发达的时候,孤立地进行智利活动,往往不利于保持有意注意。只有做到知行统一,把认识和实践活动统一起来,才能有效解决问题。
如在教授童话、寓言等有故事情节的课文时,教师可以让学生分角色表演情节。小学语文教学要让学生有充分的读书实践是勿庸置疑的。边读,边想,边质疑;反边来再一边读、一边想,一边画,解疑。这样就形成了一个“读书——质疑——解疑”的实践过程,既调动了学生的动口、动脑、动手的能力,也在潜移默化中培养了学生的有意注意。
总之,在语文教学中,加强对小学生注意力培养是重要的和必要的,也是有方法可循的。通过训练,不仅能提高学生课堂注意力,也能提高语文教学质量。
5. 披头士第一张专辑?
Beatles(甲壳虫乐队),英国摇滚乐队,由约翰·列侬(John Lennon)、林戈·斯塔尔(Ringo Starr)、保罗·麦卡特尼(Paul McCartney)和乔治·哈里森(George Harrison)四名成员组成。1960年,乐队于英格兰利物浦市成立,其音乐风格源自20世纪50年代的摇滚乐,并开拓了迷幻摇滚、流行摇滚等曲风。
1962年发行首支单曲《Love Me Do》。1963年发行首张专辑《Please Please Me》,创下连续30周位居英国流行音乐专辑榜榜首的纪录。1964年4月4日,创下包揽公告牌Hot 100单曲榜前5名的纪录;同年凭借歌曲《A Hard Day's Night》获得第7届格莱美最佳乐队奖 。1965年推出的歌曲《Yesterday》成为乐队具有代表性的作品之一。1967年发行的专辑《Sgt.Pepper's Lonely Hearts Club Band》获得第10届格莱美年度最佳专辑奖。1968年发行的单曲《Hey Jude》连续9周位居美国公告牌榜首。1970年乐队解散。1980年12月8日,约翰·列侬去世。2001年11月29日,乔治·哈里森去世。
1988年进入摇滚名人堂。1996年凭借单曲《Free As A Bird》获得第39届格莱美最佳流行乐队奖。2004年被《滚石》杂志选为“历史上最伟大的50位流行音乐家第一位”。2008年他们在美国公告牌“最杰出音乐人Hot 100”榜单中名列榜首,同年以20首冠军单曲在公告牌“最多冠军单曲”榜单中排名第一。2012年,英国官方排行榜公司公布了英国最畅销乐队排行榜,The Beatles名列榜首。
6. 世界被禁掉的10大乐器?
十大被禁的乐器
1. 水琴
2.乌德琴
3.维纳琴
4.西塔尔琴
5.筚篥
6.特雷门琴
7.萨摩琵琶
8.艾捷克
9.胡笳
10.齐特尔琴
7. 音域共鸣洛克王国活动怎么演奏?
音域共鸣洛克王国是一种音乐活动,演奏时需按照以下步骤进行:
首先,选择乐器,如吉他、鼓或键盘,并掌握其基本演奏技巧。
其次,了解洛克王国的音乐风格,如摇滚、流行或金属,以便在演奏中传达相应的情感和节奏。然后,根据乐曲的音域要求,熟悉和练习乐曲的音符和和弦。在演奏时,注重音域共鸣,即通过掌握技巧和良好的发声技术,在乐器发出的声音中达到平衡和谐的共鸣效果。
最后,与其他乐手合作,通过相互配合和演奏技巧的运用,展示出音域共鸣洛克王国的精彩表演。
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